「ミュージック・フォー・ブラック・ピジョン」を観て。
ECM系の音楽が好きな人は是非観るべき映画だと思う。バップ一辺倒の人には、もしかしたらある種の拒絶反応が起こるかも知れない。
ジャズの進化、現在、そして未来を描いたドキュメンタリーだ。出演しているミュージシャンは、リー・コニッツを始め、いずれも現代のレジェンドと呼ばれるオリジナリティ溢れる素晴らしい巨匠達。一音聞けば、すぐさま彼等だと分かる。
しかし、映画が進行する中で、僕の中に「これは果たして『ジャズ』なのか？」という考えが頭をもたげた。若い頃なら「それは凝り固まった年寄りの考えだ！ジャズは常に進化して形を変えて行くもんだ！」と非難した事だろう。しかし、劇中に流れる音楽はどれも、ジャズと言うより「improvised music」にしか聴こえないのだ。
勿論、それは「否定」ではなく、そういう音楽が有っても良いと僕は思ってるし、僕自身、今まで散々色んなジャンルを演って来たり聴いて来たわけで、否定に至る筈も無く、寧ろリスナーとしての自分の許容量はそんじょそこらの人よりかは遥かに広いと思ってる。
しかし、ここで聞かれる音楽のリズムはGrooveというよりは寧ろPulseに感じるし、コード進行は簡素化され個々のミュージシャン達の集団的即興に重点を置かれている。ジャズのジャズたる所以は何だろう？と考え始めた。つい先日、Facebookでバリー・ハリス(p)の教えについて語ってみたら、様々なミュージシャンとのやり取りに発展したので、興味が有ればコメント欄まで読んで頂きたい。https://www.facebook.com/share/16MWMEnMnm/?mibextid=wwXIfr
(コピペが必要みたいです。)
こういった音楽は、オーネット・コールマンなどフリージャズのムーブメントの時代から有るし(トリスターノが’49年にやった集団即興は取り敢えずは置いておこう)、僕は'94年頃、実際にNYのヴィレッジ・ヴァンガードで、この映画にも出演している、ジョー・ロバーノ(ts)、ビル・フリーゼル(g)、ポール・モチアン(ds)のトリオで同様のコンセプトの演奏を聴いた。全く理解出来なかったし、楽しいとは思えなかった。
楽しいかどうかは置いておいて、劇中でもコニッツが、自分が演奏したこういった音楽を「理解出来ない。」と言うシーンが有る。それがいずれ、この映画のタイトルにも結び付くのだが、それは映画を観て確認して欲しい。
そのシーンは思わず僕の笑いを誘ったんだけど、所々でコニッツの無邪気さや奔放さが飛び出して笑ってしまう。ボケてんじゃないの？って思う事もあるけど、単に何でも衝動的にやっちゃって、後で困るタイプなんだなぁと思った(終盤のタクシーのシーン)。まさにインプロバイザー（笑）
マーク・ターナーの演奏なんかは、クラシック系現代音楽の美しさを感じるし、劇中でもあらゆる所で彼の神経質な所が伺える。たとえ即興と言えども、彼の様に全てに完璧を求める人も居れば、ヴァイブの方を重要視する人も居る。
寧ろ多くは、子供や原始人の様なプリミティブな方向性を模索してる様な気がする。テクニックや理論などの知識を一旦忘れて、個々の人間が持つそれぞれの人間性を吐露してこそ初めてオリジナリティが生まれる…という所まで初期段階に原点回帰させてる様な。可愛らしい赤ちゃんの映像も数回流れるが、それを暗示している様な気がしてならない。(ついでに、我が子がまだ0歳の頃、涎垂らしながらキーボードをガンガン鳴らしてるビデオまで思い出した笑）
こういった原始への回帰は、60年代の黒人達によるアフリカ回帰のムーブメントにも見受けられるし、白人でもヨーロピアンなんかは結構好んでいる様な気がする。だから、本来のルーツであるアフリカ回帰ともヨーロピアンの原始回帰とも異なるマーク・ターナーの演奏は中でも異質に感じたのかも知れない。
さて、冒頭のジャズか否か…は、流石に不毛な議論であると思えるのだが、この音楽が楽しいか楽しくないかでいうと、僕にとってはかなり微妙だし、アルバムを買うか？と言われると、いや、過去のレジェンド達のレコード買うので精一杯なのでごめんなさい！と答えるしかない。でも、要所要所で「素晴らしい！美しい！」と思ったのも事実だ。
もう、僕は残りも減って来た人生で自分には嘘は付けない。聴きたいのは心底「楽しい！」と思える音楽だけだ。
施設に入ってる母は、面会に行くとずっと歌っている。彼女は昔、あれほどアメリカナイズドされて洋楽ばかり聴いていたってのに、今口ずさんでいるのは昭和歌謡や童謡ばかりだ。結局、原始回帰すると本当に好きだったものに戻るんだなぁ…と思った。彼女にとって洋楽なんてのは単に背伸びする為の道具で、無理して好きになって聴いてた様な気がする。
なんだか、今のジャズって演奏者もリスナーもスノッブになり過ぎて、本当に心底楽しんでるのかな…って思う。「テク、スゲ〜！」とか「最新！」とか「これぞ芸術的！」とかどうでもいいんだよね。心底楽しくないと…
他人が作るジャズの進化にはもう正直興味は無く、自分自身で言うと、兎に角、残りの人生で自分の音楽性をもっと高めて充実させて、文化的に豊かな人生を送りたいってだけだ。それが個人的なジャズの進化と言うならそうかも知れない。でも、この映画に出演した偉大なミュージシャン達もそれぞれ、結局は同じなんだと思う。
あとは、好きな人が心底楽しめる好きな音楽を聴けば良いだけの話。
冒頭、コニッツが自作の「Kary's Trance」(だっけかな？？)を練習してて上手く行かず、イラついてるのがとても身近に感じた。
やはり、Warne Marsh は凄いのだ。
ウォーン・マーシュの音源、一体ウチにどれくらい有るのか…と並べてみた。今後まだ増える予定。晩年のが中心になりそうだけど。ほぼ毎日、これらを聴いている。家でも、出勤中の車内でも。昨日、出勤中にズートを聴いてみたけど、刺激が足りなくてすぐにマーシュに変えた。それくらい今はハマっている。
今朝、久々にクリス・ポッター聴いたら、「あー、成程、そういう事かぁ」と思った。こう言う「気付き」って時々有るけど、今回はマーシュを死ぬ程聴きまくったお陰だ。
やはりモチーフ・デベロップメントが大切。一つのリズム・フィギュアに音を嵌めてソロを構築して行くってのも、音列のシェイプに沿ってデベロップして行くのも重要。
となると、準備したフレーズは徐々に必要なくなって来る。所謂「No Lick」。あぁ、これってバークリー時代に色んな人達から教わった事だったなぁ。インプロビゼーションの真髄ってやはりここに有るんだ。ポッターもマーク・ターナーも普通に愚直なまでもコレをやってるんだね。テクニックに押されて見失いがちだけど、意外と基礎的な事を重要視してる気がする。
バークリー時代、マーシュなんて全然知らなかったし興味も無く、ブレッカー大好き人間だった自分にとっては真逆に感じる存在だっただろう。でも、その当時から既にターナーを始め注目してた人達は居たのだ。そして、現在のコンテンポラリー・ジャズへの道筋となっている。ジャズを学ぶ上でそれを無視する事は出来ない。
僕も全く無視して来た訳でなく、寧ろ大切にはしてたけど、フレーズに頼る部分はまだ大いに有る。自分の練習方法もこれから変化させて行かないとな。ただ、アマチュアの生徒さんにコレをいきなり押し付けるのは可哀想（笑）なので、やはりトランスクライブからのコピーフレーズやオリジナル・フレーズの書き方を教えて、それをアドリブに活かす方法は続けるだろう。
でも、教えてて思うのは、多くの生徒がフレーズに溺れる事によって、本来の意味の「インプロビゼーション」を見失ってるという事。やはり、その場で何かをゼロから創り上げなければインプロバイズとは言えない。自分もフレーズに頼る限りそういう事にはなる。だから1950年代後半、ビバップで閉塞感が生まれモードに時代が動いたのだから。
まぁ、バランス感覚は大切なので、フレーズも大切だとは相変わらず思う。何故なら、マーシュよりストック・フレーズを多く持っているゲッツの方がポップで伝わりやすいという利点も有る。フレーズもジャズの歴史上大切なコミュニケーション・ツールには違いない。人間社会の「言葉」と同じなのだから。でも、ジャズはそれだけでは無いという事。
おっと、レニー・トリスターノのアルバムにもマーシュが参加してるの忘れてた。これらがまた凄いのだ。
いずれ時間が出来たらマーシュのソロ解析をここにアップしようと思う。
↓こちらのサイトで「warne marsh」で検索して頂くと、過去のレコード感想文が読めます。是非！
